“La gente le tiene mucho miedo al arte abstracto, no quiere ni intentar interpretarlo” - Entrevista a Martín Farnholc Halley por Evelyn Sol Marquez
- Hijas del Arte
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Visitamos el taller de Martín Farnholc Halley en el barrio de Villa Crespo, raleado horas antes por sus galeristas que seleccionaron lo mejor de su obra disponible para llevar a una feria de Nueva York. Proveniente de la provincia de Misiones, pero con media vida ya transitada en Buenos Aires, Martín se convirtió en uno de los artistas más renombrados en las últimas ediciones de arteBA y en una presencia ineludible en la puesta de la Colección Federico J. Klemm. Hablamos de sus procesos de creación, sus collages de objetos insólitos y los prejuicios sobre el arte abstracto.
E.S.M - Venís de Misiones, pero entraste muy rápido y muy joven en el circuito artístico de Buenos Aires. Hiciste en poco tiempo un camino que a otros artistas les lleva muchos años, ¿cómo fue ese proceso? viniste a estudiar?
M.F.H- Vine a estudiar arquitectura, hice el CBC, pero al año me cambié de carrera y me fui a la UNA. Estuve cuatro años, empecé a hacer muestras, aprendí los oficios que necesitaba y buscando algo más teórico, me cambié a Crítica de Artes. Ahora pienso que era muy joven y hacía cualquier cosa, estaba experimentando. Me mudé en 2009 y en 2010 ya empecé a exponer. Todavía no tenía amigos acá, conocía a poca gente. Obviamente que al principio no hacía un peso y lo hacía por la experiencia; en ese entonces para los artistas jóvenes no era tan común vender obra como ahora. Fue un momento de experimentación, siento que ahora es más fácil vender.
E.S.M - Hay épocas en las que el sistema y el mercado del arte privilegian a los artistas consagrados, y otros en los que el foco se pone en los ultra jóvenes
M.F.H- O estar en el Di Tella, pero en esos años te pedían más experiencia para postular, tenías que justificar una carrera de artista y yo estaba recién empezando.
E.S.M - Hace muchos años que trabajas con la galería Constitución, en muestras locales, ferias internacionales, una galería muy seria y respetada
M.F.H- Sí, ya van a hacer diez años, estoy desde el principio. También empezaron más informalmente armando muestras, y de repente empezaron a vender obras y se convirtieron en galería, fueron construyendo ese lugar. Hice una muestra en la primera sede y dos más en la casa de La Boca.
E.S.M - ¿Cómo se empezaron a gestar las obras que a veces funcionan como ensamblajes, donde incluís objetos y materiales varios?
M.F.H- Estaba probando hacer sólo objetos, pero yo siempre pinté, así que empecé a buscar la manera de mezclar las dos técnicas. Lo siento más como collage porque uso los objetos más pictóricamente, no como un ensamblaje donde quizás el objeto sigue siendo lo principal, como un readymade. Me gusta pensar en todas las cosas que hago como pintura, uso los objetos para componer más que para sumarle la energía del objeto. Quiero que se integre todo, que sea una cosa nueva, como un collage, pero me gusta que tenga ese borde, que también lleva a la gente a otros lugares, a intentar descubrir qué son esos objetos que tiene, hace que la gente flashee con otros mundos.
E.S.M - A veces incluís plumas u objetos rarísimos como chicharras pulverizadas
M.F.H- Me traje muchas chicharras de Misiones, que en una época se quedan prendidas a los árboles y queda la cascarita. Las usé para muchas cosas. Cuando se fueron rompiendo parecían como un glitter, las puse en un mortero y las pulvericé para usarlas en las pinturas.
También empecé a hacer cosas con cartón, con alambre, y usarlos para armar los volúmenes. Tiene algo de bricolaje, me divierte más pensarlo así, que sea bricolaje pero que al mismo tiempo termine teniendo un aura de pintura, de algo artístico. Entregarse un poco más que sólo intelectualmente a lo que estás haciendo y creo que pintar es una experiencia más loca. Sobre todo cuando lo ve alguien, porque pienso que lo ven y les dan ganas de pintar, te podés imaginar pintando algo así, está disfrazado de algo que podría hacer cualquier persona.
E.S.M - Ahí aparece el comentario típico que odiamos todos los trabajadores de museos: ¡“esto lo hace mi hijo de 5 años”!
M.F.H- Claro, ¡pero eso es lo mejor! Eso pasa mucho en gente que escribe, que hace crítica o curaduría, que tiene un impulso de pintar. Lo intentan y después no pueden por su cabeza, porque tienen muchas barreras, tienen muy neurotizado el arte. Lo hacen y se vuelven locos, porque no solamente tienen que analizarlo como algo de alguien más, sino como algo propio y se les hace un cortocircuito. Uno como artista no tiene tanta conciencia del análisis que alguien después pueda hacer, lo que pueda escribir o a lo que le pueda remitir de la historia, pero ellos sí. Y lo mismo la gente que dice “Mis hijos pueden hacerlo”, bueno, hacelo, ¡hacelo y mostralo! ¡Les da una vergüenza! Piensan que es una locura, no se animan a exponerlo.
Pero está bueno que te incite, ver arte te da ganas de hacer también. Pero el momento de hacerlo es lo más intenso, cuando sentís que es todo una ridiculez, que estás perdiendo el tiempo.
E.S.M - En tu mesa de trabajo tenes uno de los elementos que más me llamaron la atención de tus obras, las reglas, que las usaste incluso para hacer una especie de enmarcado
M.F.H- Sí, conseguí esas reglas en los saldos de una librería, compré un montón y las usé como marco, además de como guías para componer obras, son muy lindas. También estuve usando números como stencil para pintar partes de obras porque me gustan los números visualmente. Aunque no te gusten las matemáticas o la geometría, cuando estás pintando y dibujando, siempre aparecen.
E.S.M - Trabajas con la abstracción, a primera vista es muy difícil encontrar alguna referencia reconocible, pero las obras tienen títulos muy interesantes que funcionan como disparadores. Son muy elaborados y en algunos casos muy poéticos. ¿Qué lugar le das a los títulos? ¿Vienen antes o después de las obras?
M.F.H- No los pienso tanto, me resulta fácil, aunque hay que pensarlos bien porque después quedan para la posteridad en los catálogos! Además, la gente mira mucho los títulos. No me gusta el arte abstracto que sólo gira sobre la abstracción y la composición, como si fuese una cuestión secular que no tiene ningún significado, que no remite nada más que al placer de la pintura. Me aburre esa experiencia en el taller de sólo componer. A veces se me ocurre una serie de pinturas de corazones, o de ideas, que quizás no tienen una imagen explícita pero aluden a una emoción, o a un sueño, y le pongo ese nombre. El título es un registro de la idea que originó esa pintura. También me gusta que al verlo, alguien lee “Pájaro muerto…” y después se encuentra con una pintura casi cien por cien abstracta, pero busca al pájaro y pasa algo.
La abstracción que me gusta es la que conecta con las ideas y los objetos de una forma menos fría e intelectual. Además, el título abre más sentidos. No puedo evitar que la gente lo relacione con un arte geométrico más estricto y mental, pero a mi me gusta más el arte de inicios del siglo XX, que estaba más conectado con alcanzar una experiencia más trascendental a través de los materiales, incluso relacionado al esoterismo, no era tan intelectual.
La gente le tiene mucho miedo al arte abstracto, no quieren ni intentar interpretarlo porque piensan que tenes que entender una tradición, una historia, que tenés que estudiar… y en realidad no, es mucho más simple de interpretar que el arte figurativo.
E.S.M - Tenés una participación muy importante en la puesta actual de la Colección Klemm, ¿cómo fue esa invitación a llevar tus obras, que se intercalan con obras de Warhol, Kuitca y Basquiat?
M.F.H- Hay una mezcla de obras de estilos diferentes, una pintura grande, obras más nuevas de una serie de corazones, que son más objetuales, y videos. La obra de los tres videos la compró la Fundación en arteBA hace unos años. Mariano Mayer encontró una línea poética entre las obras que le gustaban del acervo de la fundación y artistas más jóvenes de las nuevas adquisiciones. Me encantó la vibra que logró para la muestra y usó muy bien el lugar.
E.S.M - ¿Cómo es tu relación con las redes sociales?
M.F.H- Para mí sería pesadillesco subir fotos perfectas de mis obras, no me interesa tener un instagram curado. Para mí está más vinculado al entretenimiento, lo uso para mis amigos. Mis obras son muy distintas en persona, son muy difíciles de apreciar en una foto. La magia que tienen en persona no se transmite ni un poco. ¡Eso me mata!
Entrevista realizada por Evelyn Sol Marquéz
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